lunes, 26 de abril de 2010
Habla Carlos Sampayo (del blog 68revoluciones..recomendado!!!)
Habla Carlos Sampayo
02Aug07
por Carlos Sampayo
Carlos Sampayo (Argentina, 1943), es el guionista de, entre otras muchas obras, Alack Sinner, uno de los primeros y uno de los mejores, exponentes del cómic adulto, o cómic de autor. Durante más de 3 décadas Sampayo ha alternado su condición de guionista de comics con la de novelista y estudioso del Jazz, el año pasado dictó una conferencia en Murcia que reproducimos acá, para que sepan un poco acerca de este autor los que lo han leído, y los que no, se animen a conocer su trabajo. Arriba de estas líneas, algunas viñetas de Norteamericano (s), uno de los mejores relatos breves de Alack Sinner, por Muñoz y Sampayo.
Me presento. Nací en 1943 y hasta 1974 no había hecho, nunca, un guión de historietas. De esto hace 30 años o un poquito más. Había trabajado en cine, en literatura, naturalmente, pero fue conocer, casualmente, a José Muñoz, que me abrió un medio que desconocía porque, como adulto, no había leído cómics. Era una cosa de mi infancia, como aquél que dice, y luego escogí la literatura. Fue en un momento muy especial porque en 1974 existía la posibilidad en Europa, no en España, de vivir profesionalmente del cómic. Y a mí se me abrió un mundo bastante lujoso porque yo pretendía contar historias y vivir bien por contar esas historias. Tengo cierta facilidad para fabular, es decir, soy un mentiroso articulado; puedo armar fábulas y hacerlas creíbles.
Lo que ocurre es que para mí la historieta, en inicio, es algo muy fugaz. En principio por su propia denominación: historieta, tebeo, cómic, bande dessinée, cuadrinhos, fumetti, cualquiera de esas denominaciones es limitada, son sustantivos. Pero, ¿cómo llamarlo? Hay que llamarlo de alguna manera, “la razón por imágenes”, tal vez, pero es demasiado pomposo para una comunicación inmediata como es el cómic. La revista con imágenes suena muy arrogante. Así que usemos la que a cada uno le guste más. Cómic es la más usada, pero a mí no me gusta porque lo que yo hago es más bien “tragic” no “cómic”, por lo tanto, que unas historias dramáticas se llamen cómics es como pedir paella en Lugo, no sé, es un contrasentido.
Viñeta de Encuentros y reencuentros, de la serie Alack Sinner, por Muñoz y Sampayo.
El problema, también, es darle una denominación que tiene que ver con su dificultad de ubicación dentro del ámbito de la cultura. Es decir, si nosotros acudimos, por ejemplo, a Francia o Bélgica, principalmente en esos dos países, a una casa particular donde hay una biblioteca, vemos que, una parte importante de ella, tiene cómics, tiene historietas, muchos libros de cómics. Como si fueran libros de Saramago u otros literatos. Ordenados por autores, tienen libros de Moebius, incluso toda la colección de Tintin. En Italia, en menor medida en España, esto también ocurría, por lo menos hasta el “berlusconismo”: hubo una retracción cultural y se volvió a los esquemas tradicionales de la cultura aceptada. Estaba muy ligada a lo que eran los movimientos editoriales de la izquierda y cuando éstos fueron absorbidos, digamos por el mundo de la política convencional, la producción bajó y esto desapareció también, es decir, era bastante lavable. En Alemania, donde yo creo que nació el género con Wilhelm Busch, a finales del siglo XIX, también fue relegado. Pero, aquí (España), no existe prejuicio, es más bien desconocimiento. En Suiza, por el contrario, hay una diferencia entre la Suiza de lengua francesa y la Suiza de lengua alemana o italiana, en la percepción de cualquier género artístico. En cambio, en Francia y Bélgica existe una tradición desde principios de los años 20.
Evaristo, basado en un detective porteño de la vida real, con guión de Sampayo y dibujos de Solano Lopez
La historieta en EEUU está perfectamente aceptada y comprendida por el lector. Su gran expansión se debió al hecho de transmitir ideas, sobre todo patrióticas, porque estábamos cerca de la Segunda Guerra Mundial, para gente que estaba escasamente ilustrada. Al igual que el cine, la historieta era un medio para los pobres; por unos pocos centavos, los cómic books, se podía acceder a historias y ideologías. La primera historieta americana que no es tanto el orden sino que invita al sueño, es “Little Nemo”, porque cuando Nemo sueña es un sueño narcótico, producido por sustancias, es alucinógeno. Es una lectura que recomiendo porque es una obra de arte que fue creada por Windsor Mcay. Una auténtica maravilla. Las historietas de periódicos, en la primera mitad del siglo XX, se publicaban en la última página. Así ocurría en EEUU, al igual que en muchos países sudamericanos.
Es decir, entre los que practicamos este oficio o este modo de expresión, estamos en discusión. La pregunta es ¿eso es arte o no es arte? Yo no lo sé, pero es una pregunta que hay que hacerse en otro sistema de pensamiento. Lo que sí, es que hace disfrutar y que es factible para contar historias o la Historia, para hacer poesía en todo caso. Para mí, personalmente, que es mi trabajo y lo que me gusta hacer, es un vehículo de narración de historias y argumentos, pero también es un vehículo de proyección y plasmación poética. Es sobre todo visual y existen muchas historietas que no tienen narración, es decir, que no tienen ni un solo texto en sus páginas. Hay unas magníficas historias de Moebius de los años setenta que no tienen texto y se entienden perfectamente. Hay historia. Hay otras historias como las de Mattotti, que es un dibujante italiano que, aparentemente, tiene una “excusa” narrativa pero, en realidad, lo que está es proyectando una visión poética a través de la imagen. La excusa narrativa es para encadenar estas imágenes y que sólo sea una exposición del “cuadro”.
Siempre estoy hablando de lo que se denomina historieta de autor, es decir, existe la historieta comercial que está dirigida, desde un ámbito editorial, en todos sus pasos de creación y la historieta de autor que se vende mucho en ese ámbito comercial y, a mí, me gustaría hacerlo porque las historias que yo suelo hacer no se venden mucho. Bueno, ni mucho ni poco, pero no muchísimo como a mí me gustaría que pasara. La narración por imágenes que sería, definitivamente, la denominación que yo le daría a esto, no significa, necesariamente, que las imágenes estén en movimiento, para eso tenemos el cine. A veces se compara el cómic y el cine pero sólo con la intención de atribuirle prestigio, cuando por sí solo se basta para defenderse perfectamente. Hay una característica esencial en el cómic que no es cinético sino estático, en el nexo, entre una imagen y otra, quien lee es un lector y este será quien ponga el movimiento. El movimiento es la lectura y el esfuerzo mínimo del lector que, además debe poner las voces de manera mental. Lee texto a la vez que lee imágenes decodificando dos tipos de narración, cada lector selecciona el primer nivel de lectura ya sea uno u otro. No obstante, el primer plano es el de la imagen, aunque hay lectores que consideran éste como algo supeditado al texto.
Tres Artistas en Paris, con dibujos de Oscar Zarate.
La primera inspiración que tuve para mi trabajo como guionista fue el cine, especialmente, el americano de los años cuarenta, de carácter social y policíaco. Un cine propio de una sociedad delictiva como ésa, que tiene sus influencias en los realizadores alemanes de los treinta. Cine en blanco y negro, esto es muy importante, porque para José Muñoz que trabaja sin grises es necesario saber tratar estos límites. La literatura negra, de autores con Hammett, también es una fuente de inspiración, con frases muy ingeniosas y temas muy oscuros, me encanta. Una de las series de historietas que más me ha gustado y, a la vez, ha sido muy criticada por su temática es “Dick Tracy”, de Chester Gould, donde lo interesante es el desarrollo de las historias, algo disparatas si se quiere pensar, con esos malos monstruosos que están definidos desde su propia imagen. “Spirit”, de Will Eisner, es otra gran serie que se acerca más al trabajo de Muñoz porque aporta al género la imagen de la calle, con los cubos de basura, las conversaciones de vecinos, el ruido de la ambulancia que pasa, los niños que juegan…
Biografía del músico Fats Waller, dibujada por Igort
El guionista de historietas siempre está en la sombra, aun cuando no hay textos, el desarrollo de la acción, la descripción, la puesta en escena, llega traducida por un dibujante. La mayor parte de las veces bastante de la información dada por el guionista aparece transformada por el dibujante. Yo trabajo con un esquema muy claro, cinematográfico, realizo descripciones muy precisas de primeros, segundos, terceros planos, mediante puntuación secuencial, es decir, secuencias narrativas. Esto Muñoz lo respeta al máximo, pero otros dibujantes, como Igor, lo destroza, directamente, lo deshace y realiza otra cosa. Las historias que he realizado con este último o con otros autores como Solano López u Óscar Zarate son coautorías, realizadas al cincuenta por ciento, discutiendo el desarrollo de la acción y los diálogos. Un debate continuo. Mucha gente me ha llegado a preguntar qué es lo primero, el guión o el dibujo, como si llegara el dibujante con sus páginas y el guionista pusiera, después, las palabras. No entienden que una historieta tiene toda una serie de códigos. En todo caso, lo primero es el guión. Hay dibujantes que son sus propios guionistas, como el caso de Hugo Pratt o Art Spiegelman; otros que contratan a los guionistas aunque, en este caso, el resultado no siempre es bueno porque no se conocen; otros que trabajan para un guionista como fue el caso de Goscinny que era el alma de Asterix. Yo prefiero mi manera de trabajar.
Nuestro Alack Sinner fue el primer personaje de historietas que vomitó y orinó en un cómic. En Italia esto creo unos disturbios tremendos y hubo un juicio de Acción Católica contra la revista Linus que lo publicaba. Esta publicación de capital comunista fue agredida desde los foros católicos con la insinuación que los comunistas enseñaban sus vergüenzas más repugnantes en una revista para niños. Trabajábamos muy lentamente rehaciendo páginas una y otra vez y retocando mil veces los guiones. El año que realizábamos 75 páginas era un año heroico, era muy trabajosa nuestra manera de elaborar. Nuestro personaje fue envejeciendo igual que sus creadores con sus arrugas, canas y necesidades como la de usar gafas o dentadura postiza. Se tiene a Sinner como un héroe y no lo es, también como un antihéroe y tampoco lo es, solo es un ser real que vive situaciones más o menos reales.
02Aug07
por Carlos Sampayo
Carlos Sampayo (Argentina, 1943), es el guionista de, entre otras muchas obras, Alack Sinner, uno de los primeros y uno de los mejores, exponentes del cómic adulto, o cómic de autor. Durante más de 3 décadas Sampayo ha alternado su condición de guionista de comics con la de novelista y estudioso del Jazz, el año pasado dictó una conferencia en Murcia que reproducimos acá, para que sepan un poco acerca de este autor los que lo han leído, y los que no, se animen a conocer su trabajo. Arriba de estas líneas, algunas viñetas de Norteamericano (s), uno de los mejores relatos breves de Alack Sinner, por Muñoz y Sampayo.
Me presento. Nací en 1943 y hasta 1974 no había hecho, nunca, un guión de historietas. De esto hace 30 años o un poquito más. Había trabajado en cine, en literatura, naturalmente, pero fue conocer, casualmente, a José Muñoz, que me abrió un medio que desconocía porque, como adulto, no había leído cómics. Era una cosa de mi infancia, como aquél que dice, y luego escogí la literatura. Fue en un momento muy especial porque en 1974 existía la posibilidad en Europa, no en España, de vivir profesionalmente del cómic. Y a mí se me abrió un mundo bastante lujoso porque yo pretendía contar historias y vivir bien por contar esas historias. Tengo cierta facilidad para fabular, es decir, soy un mentiroso articulado; puedo armar fábulas y hacerlas creíbles.
Lo que ocurre es que para mí la historieta, en inicio, es algo muy fugaz. En principio por su propia denominación: historieta, tebeo, cómic, bande dessinée, cuadrinhos, fumetti, cualquiera de esas denominaciones es limitada, son sustantivos. Pero, ¿cómo llamarlo? Hay que llamarlo de alguna manera, “la razón por imágenes”, tal vez, pero es demasiado pomposo para una comunicación inmediata como es el cómic. La revista con imágenes suena muy arrogante. Así que usemos la que a cada uno le guste más. Cómic es la más usada, pero a mí no me gusta porque lo que yo hago es más bien “tragic” no “cómic”, por lo tanto, que unas historias dramáticas se llamen cómics es como pedir paella en Lugo, no sé, es un contrasentido.
Viñeta de Encuentros y reencuentros, de la serie Alack Sinner, por Muñoz y Sampayo.
El problema, también, es darle una denominación que tiene que ver con su dificultad de ubicación dentro del ámbito de la cultura. Es decir, si nosotros acudimos, por ejemplo, a Francia o Bélgica, principalmente en esos dos países, a una casa particular donde hay una biblioteca, vemos que, una parte importante de ella, tiene cómics, tiene historietas, muchos libros de cómics. Como si fueran libros de Saramago u otros literatos. Ordenados por autores, tienen libros de Moebius, incluso toda la colección de Tintin. En Italia, en menor medida en España, esto también ocurría, por lo menos hasta el “berlusconismo”: hubo una retracción cultural y se volvió a los esquemas tradicionales de la cultura aceptada. Estaba muy ligada a lo que eran los movimientos editoriales de la izquierda y cuando éstos fueron absorbidos, digamos por el mundo de la política convencional, la producción bajó y esto desapareció también, es decir, era bastante lavable. En Alemania, donde yo creo que nació el género con Wilhelm Busch, a finales del siglo XIX, también fue relegado. Pero, aquí (España), no existe prejuicio, es más bien desconocimiento. En Suiza, por el contrario, hay una diferencia entre la Suiza de lengua francesa y la Suiza de lengua alemana o italiana, en la percepción de cualquier género artístico. En cambio, en Francia y Bélgica existe una tradición desde principios de los años 20.
Evaristo, basado en un detective porteño de la vida real, con guión de Sampayo y dibujos de Solano Lopez
La historieta en EEUU está perfectamente aceptada y comprendida por el lector. Su gran expansión se debió al hecho de transmitir ideas, sobre todo patrióticas, porque estábamos cerca de la Segunda Guerra Mundial, para gente que estaba escasamente ilustrada. Al igual que el cine, la historieta era un medio para los pobres; por unos pocos centavos, los cómic books, se podía acceder a historias y ideologías. La primera historieta americana que no es tanto el orden sino que invita al sueño, es “Little Nemo”, porque cuando Nemo sueña es un sueño narcótico, producido por sustancias, es alucinógeno. Es una lectura que recomiendo porque es una obra de arte que fue creada por Windsor Mcay. Una auténtica maravilla. Las historietas de periódicos, en la primera mitad del siglo XX, se publicaban en la última página. Así ocurría en EEUU, al igual que en muchos países sudamericanos.
Es decir, entre los que practicamos este oficio o este modo de expresión, estamos en discusión. La pregunta es ¿eso es arte o no es arte? Yo no lo sé, pero es una pregunta que hay que hacerse en otro sistema de pensamiento. Lo que sí, es que hace disfrutar y que es factible para contar historias o la Historia, para hacer poesía en todo caso. Para mí, personalmente, que es mi trabajo y lo que me gusta hacer, es un vehículo de narración de historias y argumentos, pero también es un vehículo de proyección y plasmación poética. Es sobre todo visual y existen muchas historietas que no tienen narración, es decir, que no tienen ni un solo texto en sus páginas. Hay unas magníficas historias de Moebius de los años setenta que no tienen texto y se entienden perfectamente. Hay historia. Hay otras historias como las de Mattotti, que es un dibujante italiano que, aparentemente, tiene una “excusa” narrativa pero, en realidad, lo que está es proyectando una visión poética a través de la imagen. La excusa narrativa es para encadenar estas imágenes y que sólo sea una exposición del “cuadro”.
Siempre estoy hablando de lo que se denomina historieta de autor, es decir, existe la historieta comercial que está dirigida, desde un ámbito editorial, en todos sus pasos de creación y la historieta de autor que se vende mucho en ese ámbito comercial y, a mí, me gustaría hacerlo porque las historias que yo suelo hacer no se venden mucho. Bueno, ni mucho ni poco, pero no muchísimo como a mí me gustaría que pasara. La narración por imágenes que sería, definitivamente, la denominación que yo le daría a esto, no significa, necesariamente, que las imágenes estén en movimiento, para eso tenemos el cine. A veces se compara el cómic y el cine pero sólo con la intención de atribuirle prestigio, cuando por sí solo se basta para defenderse perfectamente. Hay una característica esencial en el cómic que no es cinético sino estático, en el nexo, entre una imagen y otra, quien lee es un lector y este será quien ponga el movimiento. El movimiento es la lectura y el esfuerzo mínimo del lector que, además debe poner las voces de manera mental. Lee texto a la vez que lee imágenes decodificando dos tipos de narración, cada lector selecciona el primer nivel de lectura ya sea uno u otro. No obstante, el primer plano es el de la imagen, aunque hay lectores que consideran éste como algo supeditado al texto.
Tres Artistas en Paris, con dibujos de Oscar Zarate.
La primera inspiración que tuve para mi trabajo como guionista fue el cine, especialmente, el americano de los años cuarenta, de carácter social y policíaco. Un cine propio de una sociedad delictiva como ésa, que tiene sus influencias en los realizadores alemanes de los treinta. Cine en blanco y negro, esto es muy importante, porque para José Muñoz que trabaja sin grises es necesario saber tratar estos límites. La literatura negra, de autores con Hammett, también es una fuente de inspiración, con frases muy ingeniosas y temas muy oscuros, me encanta. Una de las series de historietas que más me ha gustado y, a la vez, ha sido muy criticada por su temática es “Dick Tracy”, de Chester Gould, donde lo interesante es el desarrollo de las historias, algo disparatas si se quiere pensar, con esos malos monstruosos que están definidos desde su propia imagen. “Spirit”, de Will Eisner, es otra gran serie que se acerca más al trabajo de Muñoz porque aporta al género la imagen de la calle, con los cubos de basura, las conversaciones de vecinos, el ruido de la ambulancia que pasa, los niños que juegan…
Biografía del músico Fats Waller, dibujada por Igort
El guionista de historietas siempre está en la sombra, aun cuando no hay textos, el desarrollo de la acción, la descripción, la puesta en escena, llega traducida por un dibujante. La mayor parte de las veces bastante de la información dada por el guionista aparece transformada por el dibujante. Yo trabajo con un esquema muy claro, cinematográfico, realizo descripciones muy precisas de primeros, segundos, terceros planos, mediante puntuación secuencial, es decir, secuencias narrativas. Esto Muñoz lo respeta al máximo, pero otros dibujantes, como Igor, lo destroza, directamente, lo deshace y realiza otra cosa. Las historias que he realizado con este último o con otros autores como Solano López u Óscar Zarate son coautorías, realizadas al cincuenta por ciento, discutiendo el desarrollo de la acción y los diálogos. Un debate continuo. Mucha gente me ha llegado a preguntar qué es lo primero, el guión o el dibujo, como si llegara el dibujante con sus páginas y el guionista pusiera, después, las palabras. No entienden que una historieta tiene toda una serie de códigos. En todo caso, lo primero es el guión. Hay dibujantes que son sus propios guionistas, como el caso de Hugo Pratt o Art Spiegelman; otros que contratan a los guionistas aunque, en este caso, el resultado no siempre es bueno porque no se conocen; otros que trabajan para un guionista como fue el caso de Goscinny que era el alma de Asterix. Yo prefiero mi manera de trabajar.
Nuestro Alack Sinner fue el primer personaje de historietas que vomitó y orinó en un cómic. En Italia esto creo unos disturbios tremendos y hubo un juicio de Acción Católica contra la revista Linus que lo publicaba. Esta publicación de capital comunista fue agredida desde los foros católicos con la insinuación que los comunistas enseñaban sus vergüenzas más repugnantes en una revista para niños. Trabajábamos muy lentamente rehaciendo páginas una y otra vez y retocando mil veces los guiones. El año que realizábamos 75 páginas era un año heroico, era muy trabajosa nuestra manera de elaborar. Nuestro personaje fue envejeciendo igual que sus creadores con sus arrugas, canas y necesidades como la de usar gafas o dentadura postiza. Se tiene a Sinner como un héroe y no lo es, también como un antihéroe y tampoco lo es, solo es un ser real que vive situaciones más o menos reales.
Entrevista (en ingles) a Muñoz y Sampayo
”We are not magic, We are real!” - an interview with Muñoz & Sampayo
Published by Matthias Wivel February 13th, 2007 in interviews, comics and cartooning Write the author.
munoz_sampayo_portrait.jpgWhen Argentinian cartoonist José Muñoz received this year’s Grand Prix at the comics festival in Angoulême, he stated that he considered it as much a recognition of his friend, countryman and collaborator Carlos Sampayo, as of himself. It would indeed be hard to imagine one without the other. Though they have both worked independently of each other, in comics as well as other media, it is in the comics they have created together one finds the soul of their art, an art carried by a clear authorial voice and a stark but ultimately strongly humanist sensibility. The best of their work rates amongst the finest explorations of human emotion and behaviour in comics.
This interview was conducted by myself and my compadre T. Thorhauge back in the late summer of 2001 at the Berliner ComicFestival. They were invited as guests of the festival at a time when they had just started working together again, after a long hiatus due to Sampayo having been seriously ill for a number of years.
Sampayo, who mostly spoke Spanish and Italian, participated actively, but since neither of us were proficient in those languages at the time, a lot of what he said was filtered through Muñoz. This somehow seemed fitting enough, given the obvious closeness of their friendship, so consider much of this as their joint thoughts on the issues discussed. Unfortunately, the interview has languished in the Rackham archives for years because we wanted to publish it, but never found a good occasion to do so. With the honor accorded to Muñoz & Sampayo at this year’s Angoulême festival, we finally have. We hope our tardiness will be forgiven by the participants who so graciously gave us their time back then.
So without further ado.
Wivel: How did you meet?
Muñoz: We’re both from Buenos Aires, but met in Spain in ‘74. We’re economical refugees from the Argentinian dictatorship. When we met, I was already working in comics while Carlos was in the advertising business.
Wivel: And you quickly decided to work together on a comic?
Muñoz: Yes, we immediately began doing what we wanted to do – a crime series [Alack Sinner]. Another reason we did it was because the publisher’s at the time were less likely to put out something that didn’t fit into one of the established genres. But the series quickly changed in character and became increasingly concerned with telling the stories of individuals. This meant that the readership waned as the quality rose.
Thorhauge: Concerning Alack Sinner and the crime genre, I’d like to ask you about your obvious interest in American culture.
Muñoz: We’re very fascinated with American culture – it’s our culture, we’re Americans.
Thorhauge: But from South America.
Muñoz: Yes, but that’s also America. USA is a nation without a name and has therefore appropriated ’America’ as its own. It’s all America – it doesn’t make sense to talk about North, Central and South America.
Thorhauge: I was mostly thinking of the culture of the US – jazz, etc.
Muñoz: Yes, jazz has always been an important part of our lives – Carlos is also a jazz critic.
Thorhauge: It must have been a considerable challenge to translate music into pictures, as you did in Billie Holiday.
Muñoz: In order to understand it, you need to understand Billie Holiday’s music.
Wivel: Argentina and its development is central to your work – has it been a conscious ambition of yours to comment on the situation in your homeland?
Muñoz: With Sudor Sudaca we started to focus more directly on our homeland. But it isn’t a conscious choice, there’s no particular strategy behind it. We’re steet kids from Buenos Aires and tell stories about important aspects of our lives.
Wivel: Yes, it doesn’t seem like you’re overtly political in your description and criticism of society. If one for example makes the comparison with Carlos Gimenez’ political comics about the Franco regime on Spain, your comics seem considerably more interested in conveying aspects of society through the stories of individual characters who you describe in depth.
Muñoz: Yes, that’s true. You’ve got to remember that Carlos is a member of the Spanish Communist Party and in that sense has a completely different sense of belonging and responsibility than us. Our only responsibility is ourselves, our party is our conscience.
Wivel: As already mentioned, your comics quickly developed in the direction of more personal stories. Something that’s rather unique, especially considering the time you started out doing it.
Muñoz: We’ve never tried to be original or avant-garde, and there are no ulterior motives to our work. Our point of departure is our friendship. It is the one and all of our work.
Wivel: How does your collaboration work?
Muñoz: We talk all the time. We talk about everything that interests us, and that’s where the stories come from. It is always – or at least in our case – rather contrived to seperate the ’writer’ and the ’artist’ of the comics. It’s of course my responsibility to draw them while Carlos writes the words, but the story itself is a product of our collaboration. It usually starts out with us discussing the story, then I start drawing it and sending the pages off to Carlos who works them over and sends them back.
Thorhauge: How often do you meet?
Muñoz: Back when we started, we were both living in Barcelona, but after a few years I moved to Milan, which of course meant we started seeing less of each other – we’d meet perhaps every three months or so. In later years, it has varied somewhat – sometimes six months pass without us seeing each other, but we stay in touch over the phone. During the 90s, Carlos was very ill and we had to put our work on hold, but now that he’s over it we’ve started again.
Wivel: I’d like to ask about your drawing style and the development in your approach. The first Alack Sinner stories seem influenced by the classic American black-and-white adventure style, for example as seen in Milton Caniff.
Muñoz: There is this established style of drawing that goes back to Caniff, but for us it was primarily the Argentinian comics of our childhood and youth which influenced our approach to comics. The black-and-white school, supremely represented by Alberto Breccia and Hugo Pratt, who lived and worked in Argentina for a number of years. Also, the comics writer Hector Oesterheld, who was killed along with his family by the regime, has been a strong influence.
Wivel: You quickly evolved towards a more expressive, raw style.
Muñoz: Yes, that’s part of my development of black and white. To me, it’s about feeling things around me. If I am to draw a table, a glass or a person, I have to feel them. This feeling is translated through the hand when it is drawing and the line starts curving and coming alive.
Wivel: Comics have often employed expressive idioms – you can do certain things in comics that appear less natural in other media, you can for example juxtapose a realistically drawn character with a strongly caricatured one. Are comics better suited to this kind of exageration than to express more subtle, nuanced things?
Muñoz: I don’t think so, it’s just the way I work – there are many styles that work well in comics: realism, ligne claire, etc.
Wivel: The most recent of yours works that I’ve seen, Le Poète, is drawn in more of a line-oriented style – there are fewer, large areas of solid black and the linework is finer and to a large extent what constitutes the figures.
Muñoz: That’s true. That story is kind of a special case because I had to describe the place I live [Milan] for the first time. It was important to me to convey the distincness of the place, to feel it, which is what mae the linework sharper and clearer than usual. It’s kind of a Muñoz-version of ligne claire.
Wivel: So it doesn’t reflect a general tendency in your work, but rather an adaptation to that specific album’s needs?
Muñoz: That’s right.
Wivel: While we’re at the subject of your style, I’d like to ask you about influences from outside comics, from the fine arts, for example.
Muñoz: That’s of course something I look at. I’m deeply fascinated with the Italian Renaissance and spend a lot of time looking at drawings from that period. I’m also fascinated by Nordic expressionism of the 20th Century – Germany, and so on. You’re from Denmark, right?
Wivel: Yes.
Muñoz: Isn’t that where Munch is from?
Sampayo: He’s from Norway.
Muñoz: That’s right, sometimes it can be a little difficult distinguishing your countries from each other.
Wivel: It’s only natural – we’re a rather homogenous group, we share our cultural and linguistic background. Do you work with drawing in other areas besides comics?
Muñoz: Yes, I also do a fair amount of illustration and I work with a sort of painting. Also, I do smaller works in ink and watercolour, but just for my own enjoyment.
Wivel: Why don’t you work in colour in your comics?
Muñoz: I would actually like to, and I already have done one story recently, but the black-and-white style has so much potential and offers so many possibilities that I’m sticking to exploring it. I think I could spend four lives working in black and white.
Wivel: [to Sampayo] What about you? I understand that you’re both a critic and a writer, and that you write as much straight prose as you do comics. What’s the difference between the two?
Sampayo: The difference, naturally, is that you don’t use language in the same way in comics. You don’t need to describe all the things taken care of in the drawing. You have to think in images.
Wivel: Let’s continue the discussion of themes in your work – in several of your stories, you move between fantasy and reality, from almost socio-realistic descriptions to dream-like, allegorical sequences…
Muñoz: We often use symbolic imagery. To us, the fantastic is part of reality. That this glass exists is fantastic, that this table exists is fantastic, that a person exists is fantastic. Life is fantastic.
Wivel: What I think I’m asking about is whether this also has something to do with your cultural background. From your part of the world, we for example have magical realism in literature.
Sampayo: ’Magical realism’ is the invention of European publishers in order to market a number of completely different authors under a common designation. Actually, authors the world over work within shifting boundaries of the concrete and the magical – Gabriel Garcia Marquéz does it, but so does Kafka and Lovecraft. I don’t mean to suggest that there’s nothing culturally specific to the work of the so-called ’magical realists.’ Alejo Carpentier from Cuba, for example, has that whole Caribbean mixture of catholicism and African-derived religion – voodoo, etc. – under his skin. In Argentina we’re further removed from that, but African music and dance is also somehow foundational to tango. Magic is, at base, about how you see the world.
Muñoz: We are not magic, we are real!
Wivel: How do you look upon your own development from back when you started in the 70s till today?
Muñoz: We’re both approaching 60 and have thus reached the final phase of our lives. We’re no longer as idealistic and experimental, but have probably become more profound. The optimism we had regarding the possibilities of bettering conditions in our homeland, as well as the world in general, has probably waned. I’ve lost my belief in socialism as a way out and have become more of a doubter. We’ve probably become more pessimistic, but that doesn’t mean we’ve given up. In spite of all the horrors, life is an adventure – living is magical. Perhaps life is like a comic. The story is in our hands, and we must all work on creating a better script, a better story.
Published by Matthias Wivel February 13th, 2007 in interviews, comics and cartooning Write the author.
munoz_sampayo_portrait.jpgWhen Argentinian cartoonist José Muñoz received this year’s Grand Prix at the comics festival in Angoulême, he stated that he considered it as much a recognition of his friend, countryman and collaborator Carlos Sampayo, as of himself. It would indeed be hard to imagine one without the other. Though they have both worked independently of each other, in comics as well as other media, it is in the comics they have created together one finds the soul of their art, an art carried by a clear authorial voice and a stark but ultimately strongly humanist sensibility. The best of their work rates amongst the finest explorations of human emotion and behaviour in comics.
This interview was conducted by myself and my compadre T. Thorhauge back in the late summer of 2001 at the Berliner ComicFestival. They were invited as guests of the festival at a time when they had just started working together again, after a long hiatus due to Sampayo having been seriously ill for a number of years.
Sampayo, who mostly spoke Spanish and Italian, participated actively, but since neither of us were proficient in those languages at the time, a lot of what he said was filtered through Muñoz. This somehow seemed fitting enough, given the obvious closeness of their friendship, so consider much of this as their joint thoughts on the issues discussed. Unfortunately, the interview has languished in the Rackham archives for years because we wanted to publish it, but never found a good occasion to do so. With the honor accorded to Muñoz & Sampayo at this year’s Angoulême festival, we finally have. We hope our tardiness will be forgiven by the participants who so graciously gave us their time back then.
So without further ado.
Wivel: How did you meet?
Muñoz: We’re both from Buenos Aires, but met in Spain in ‘74. We’re economical refugees from the Argentinian dictatorship. When we met, I was already working in comics while Carlos was in the advertising business.
Wivel: And you quickly decided to work together on a comic?
Muñoz: Yes, we immediately began doing what we wanted to do – a crime series [Alack Sinner]. Another reason we did it was because the publisher’s at the time were less likely to put out something that didn’t fit into one of the established genres. But the series quickly changed in character and became increasingly concerned with telling the stories of individuals. This meant that the readership waned as the quality rose.
Thorhauge: Concerning Alack Sinner and the crime genre, I’d like to ask you about your obvious interest in American culture.
Muñoz: We’re very fascinated with American culture – it’s our culture, we’re Americans.
Thorhauge: But from South America.
Muñoz: Yes, but that’s also America. USA is a nation without a name and has therefore appropriated ’America’ as its own. It’s all America – it doesn’t make sense to talk about North, Central and South America.
Thorhauge: I was mostly thinking of the culture of the US – jazz, etc.
Muñoz: Yes, jazz has always been an important part of our lives – Carlos is also a jazz critic.
Thorhauge: It must have been a considerable challenge to translate music into pictures, as you did in Billie Holiday.
Muñoz: In order to understand it, you need to understand Billie Holiday’s music.
Wivel: Argentina and its development is central to your work – has it been a conscious ambition of yours to comment on the situation in your homeland?
Muñoz: With Sudor Sudaca we started to focus more directly on our homeland. But it isn’t a conscious choice, there’s no particular strategy behind it. We’re steet kids from Buenos Aires and tell stories about important aspects of our lives.
Wivel: Yes, it doesn’t seem like you’re overtly political in your description and criticism of society. If one for example makes the comparison with Carlos Gimenez’ political comics about the Franco regime on Spain, your comics seem considerably more interested in conveying aspects of society through the stories of individual characters who you describe in depth.
Muñoz: Yes, that’s true. You’ve got to remember that Carlos is a member of the Spanish Communist Party and in that sense has a completely different sense of belonging and responsibility than us. Our only responsibility is ourselves, our party is our conscience.
Wivel: As already mentioned, your comics quickly developed in the direction of more personal stories. Something that’s rather unique, especially considering the time you started out doing it.
Muñoz: We’ve never tried to be original or avant-garde, and there are no ulterior motives to our work. Our point of departure is our friendship. It is the one and all of our work.
Wivel: How does your collaboration work?
Muñoz: We talk all the time. We talk about everything that interests us, and that’s where the stories come from. It is always – or at least in our case – rather contrived to seperate the ’writer’ and the ’artist’ of the comics. It’s of course my responsibility to draw them while Carlos writes the words, but the story itself is a product of our collaboration. It usually starts out with us discussing the story, then I start drawing it and sending the pages off to Carlos who works them over and sends them back.
Thorhauge: How often do you meet?
Muñoz: Back when we started, we were both living in Barcelona, but after a few years I moved to Milan, which of course meant we started seeing less of each other – we’d meet perhaps every three months or so. In later years, it has varied somewhat – sometimes six months pass without us seeing each other, but we stay in touch over the phone. During the 90s, Carlos was very ill and we had to put our work on hold, but now that he’s over it we’ve started again.
Wivel: I’d like to ask about your drawing style and the development in your approach. The first Alack Sinner stories seem influenced by the classic American black-and-white adventure style, for example as seen in Milton Caniff.
Muñoz: There is this established style of drawing that goes back to Caniff, but for us it was primarily the Argentinian comics of our childhood and youth which influenced our approach to comics. The black-and-white school, supremely represented by Alberto Breccia and Hugo Pratt, who lived and worked in Argentina for a number of years. Also, the comics writer Hector Oesterheld, who was killed along with his family by the regime, has been a strong influence.
Wivel: You quickly evolved towards a more expressive, raw style.
Muñoz: Yes, that’s part of my development of black and white. To me, it’s about feeling things around me. If I am to draw a table, a glass or a person, I have to feel them. This feeling is translated through the hand when it is drawing and the line starts curving and coming alive.
Wivel: Comics have often employed expressive idioms – you can do certain things in comics that appear less natural in other media, you can for example juxtapose a realistically drawn character with a strongly caricatured one. Are comics better suited to this kind of exageration than to express more subtle, nuanced things?
Muñoz: I don’t think so, it’s just the way I work – there are many styles that work well in comics: realism, ligne claire, etc.
Wivel: The most recent of yours works that I’ve seen, Le Poète, is drawn in more of a line-oriented style – there are fewer, large areas of solid black and the linework is finer and to a large extent what constitutes the figures.
Muñoz: That’s true. That story is kind of a special case because I had to describe the place I live [Milan] for the first time. It was important to me to convey the distincness of the place, to feel it, which is what mae the linework sharper and clearer than usual. It’s kind of a Muñoz-version of ligne claire.
Wivel: So it doesn’t reflect a general tendency in your work, but rather an adaptation to that specific album’s needs?
Muñoz: That’s right.
Wivel: While we’re at the subject of your style, I’d like to ask you about influences from outside comics, from the fine arts, for example.
Muñoz: That’s of course something I look at. I’m deeply fascinated with the Italian Renaissance and spend a lot of time looking at drawings from that period. I’m also fascinated by Nordic expressionism of the 20th Century – Germany, and so on. You’re from Denmark, right?
Wivel: Yes.
Muñoz: Isn’t that where Munch is from?
Sampayo: He’s from Norway.
Muñoz: That’s right, sometimes it can be a little difficult distinguishing your countries from each other.
Wivel: It’s only natural – we’re a rather homogenous group, we share our cultural and linguistic background. Do you work with drawing in other areas besides comics?
Muñoz: Yes, I also do a fair amount of illustration and I work with a sort of painting. Also, I do smaller works in ink and watercolour, but just for my own enjoyment.
Wivel: Why don’t you work in colour in your comics?
Muñoz: I would actually like to, and I already have done one story recently, but the black-and-white style has so much potential and offers so many possibilities that I’m sticking to exploring it. I think I could spend four lives working in black and white.
Wivel: [to Sampayo] What about you? I understand that you’re both a critic and a writer, and that you write as much straight prose as you do comics. What’s the difference between the two?
Sampayo: The difference, naturally, is that you don’t use language in the same way in comics. You don’t need to describe all the things taken care of in the drawing. You have to think in images.
Wivel: Let’s continue the discussion of themes in your work – in several of your stories, you move between fantasy and reality, from almost socio-realistic descriptions to dream-like, allegorical sequences…
Muñoz: We often use symbolic imagery. To us, the fantastic is part of reality. That this glass exists is fantastic, that this table exists is fantastic, that a person exists is fantastic. Life is fantastic.
Wivel: What I think I’m asking about is whether this also has something to do with your cultural background. From your part of the world, we for example have magical realism in literature.
Sampayo: ’Magical realism’ is the invention of European publishers in order to market a number of completely different authors under a common designation. Actually, authors the world over work within shifting boundaries of the concrete and the magical – Gabriel Garcia Marquéz does it, but so does Kafka and Lovecraft. I don’t mean to suggest that there’s nothing culturally specific to the work of the so-called ’magical realists.’ Alejo Carpentier from Cuba, for example, has that whole Caribbean mixture of catholicism and African-derived religion – voodoo, etc. – under his skin. In Argentina we’re further removed from that, but African music and dance is also somehow foundational to tango. Magic is, at base, about how you see the world.
Muñoz: We are not magic, we are real!
Wivel: How do you look upon your own development from back when you started in the 70s till today?
Muñoz: We’re both approaching 60 and have thus reached the final phase of our lives. We’re no longer as idealistic and experimental, but have probably become more profound. The optimism we had regarding the possibilities of bettering conditions in our homeland, as well as the world in general, has probably waned. I’ve lost my belief in socialism as a way out and have become more of a doubter. We’ve probably become more pessimistic, but that doesn’t mean we’ve given up. In spite of all the horrors, life is an adventure – living is magical. Perhaps life is like a comic. The story is in our hands, and we must all work on creating a better script, a better story.
jueves, 15 de abril de 2010
Programa de los tres niveles
Cada nivel estara comprendiendo las siguientes áreas de trabajo:
• Teoría (apuntes y clases teoricas)
• Conceptos base de trabajos prácticos (paraguas bajo el que se desarrollaran los trabajos prácticos)
• Trabajos prácticos y técnicas
• Trabajos de investigación
Todos los niveles estaran complementados con dos charlas por cuatrimestre, realizadas por importantes artistas relativos a los conceptos particulares planteados.
ILUSTRACION 1 –Tercer nivel
Teoría: conceptos generales de ilustración – Palabras de artistas y entrevistas – Usos del dibujo y campos profesionales.
Conceptos: Documentación – Análisis semántico de los textos y de los elementos plásticos – Jerarquías y lectura – Convergencia producto-proyecto.
Técnicas y Trabajos Prácticos: 3 trabajos finales. Uso de tecnicas simples y mixtas.
- Collage
- Ilustración infantil
- Ilustración tematica (aiwa)
Trabajos de investigación: tomar un pintor y analizar sus recursos en ilustración.
ILUSTRACION 2- Cuarto nivel
Teoría: Técnicas y fines: impresión. – Primeros conceptos sobre lo digital - Conceptos teóricos de animación
Conceptos: Story board- comic: Relato – Serie – Estilos –
Técnicas y Trabajos Prácticos: Comic – Manga – Storyboard y animatic – shooting board y viñetas. Técnicas mixtas.
Realización de un comic-manga. Interpretación y realización de un guión de publicidad.
Shooting board de una secuencia fílmica.
Trabajos de investigación: Realización de un texto analítico o comparativo entre los siguientes autores: Krazy Kat (George Herriman), Robert Crumb, Alack Sinner (muñoz-sampayo), Little Nemo (Winsor McCay) y Alexander Petrov.
ILUSTRACION 3 – Quinto nivel
Teoría: Apuntes sobre apreciación de mensajes visuales. Códigos. Conceptos particulares de la imágen digital.
Conceptos: Técnicas mixtas: tradicionales y digitales: diferencias y complementación. Conceptos básicos de tipografía – Conceptos básicos de diagramación.
Técnicas y Trabajos Prácticos: Boceto y arte final – Poster- Tapa de libro - Campañas: absolut vodka, camel.
Trabajos de investigación: Trabajos de análisis o comparativos ente los siguientes artistas: Saul Bass, Henryk Tomaszewski, Milton Glaser, Toulouse Lautrrec, Paul Rand. David Carson. Neville Brody.
ARTISTAS INVITADOS PROPUESTOS
Tercer nivel: Mariano Vior, Lucas Nine
Cuarto nivel: Quique Alcatena – Manuel
Quinto nivel: Bruno Tortolano – Luis Ghidotti
• Teoría (apuntes y clases teoricas)
• Conceptos base de trabajos prácticos (paraguas bajo el que se desarrollaran los trabajos prácticos)
• Trabajos prácticos y técnicas
• Trabajos de investigación
Todos los niveles estaran complementados con dos charlas por cuatrimestre, realizadas por importantes artistas relativos a los conceptos particulares planteados.
ILUSTRACION 1 –Tercer nivel
Teoría: conceptos generales de ilustración – Palabras de artistas y entrevistas – Usos del dibujo y campos profesionales.
Conceptos: Documentación – Análisis semántico de los textos y de los elementos plásticos – Jerarquías y lectura – Convergencia producto-proyecto.
Técnicas y Trabajos Prácticos: 3 trabajos finales. Uso de tecnicas simples y mixtas.
- Collage
- Ilustración infantil
- Ilustración tematica (aiwa)
Trabajos de investigación: tomar un pintor y analizar sus recursos en ilustración.
ILUSTRACION 2- Cuarto nivel
Teoría: Técnicas y fines: impresión. – Primeros conceptos sobre lo digital - Conceptos teóricos de animación
Conceptos: Story board- comic: Relato – Serie – Estilos –
Técnicas y Trabajos Prácticos: Comic – Manga – Storyboard y animatic – shooting board y viñetas. Técnicas mixtas.
Realización de un comic-manga. Interpretación y realización de un guión de publicidad.
Shooting board de una secuencia fílmica.
Trabajos de investigación: Realización de un texto analítico o comparativo entre los siguientes autores: Krazy Kat (George Herriman), Robert Crumb, Alack Sinner (muñoz-sampayo), Little Nemo (Winsor McCay) y Alexander Petrov.
ILUSTRACION 3 – Quinto nivel
Teoría: Apuntes sobre apreciación de mensajes visuales. Códigos. Conceptos particulares de la imágen digital.
Conceptos: Técnicas mixtas: tradicionales y digitales: diferencias y complementación. Conceptos básicos de tipografía – Conceptos básicos de diagramación.
Técnicas y Trabajos Prácticos: Boceto y arte final – Poster- Tapa de libro - Campañas: absolut vodka, camel.
Trabajos de investigación: Trabajos de análisis o comparativos ente los siguientes artistas: Saul Bass, Henryk Tomaszewski, Milton Glaser, Toulouse Lautrrec, Paul Rand. David Carson. Neville Brody.
ARTISTAS INVITADOS PROPUESTOS
Tercer nivel: Mariano Vior, Lucas Nine
Cuarto nivel: Quique Alcatena – Manuel
Quinto nivel: Bruno Tortolano – Luis Ghidotti
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